Uma exibição privada da nova exposição KAWS com o próprio artista

“Para mim, arte sempre foi sobre comunicação”, diz Brian Donnelly, que você provavelmente conhece por sua marca de graffiti KAWS. Sua história como artista começa não no ateliê, mas na rua, onde ele pode falar diretamente aos transeuntes. Em meados da década de 1990, as figuras de desenho animado de Donnelly surgiram em Nova York, onde ele estudou na Escola de Artes Visuais, cercando Christy Turlington em anúncios Calvin Klein e formando a base dos personagens recorrentes em seu trabalho que incluem CHUM (uma apropriação de o Homem Michelin), COMPANION (uma figura que às vezes usa shorts e luvas do Mickey Mouse) e os Kimpsons (uma paródia deOs Simpsons)

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Jonty Wilde

Com seus Xs instantaneamente reconhecíveis para os olhos, esses personagens atuam em desenhos de graffiti, pinturas, brinquedos colecionáveis ​​menores, esculturas colossais e até móveis de Donnelly. Em 2018, ele trabalhou com a dupla de designers de São Paulo Campana Brothers para projetar uma linha de poltronas e sofás revestidos com os peluches KAWS que foram revelados na feira de arte DesignMiami e prontamente comprados por nomes como a modelo Kylie Jenner e o rapper Travis Scott.

Embora frequentemente rejeitado pelos críticos, Donnelly é talvez um dos artistas contemporâneos mais amados. Basta perguntar a seus 3,2 milhões de seguidores no Instagram ou ao licitante anônimo que pagou US $ 14,8 milhões porO Álbum KAWSem um leilão da Sotheby's em 2019 (o próprio Donnelly não fez nada com a venda devido a restrições de royalties de revenda). Além do mais, seus gestos ousados ​​e lúdicos provaram ser uma erva daninha para o mundo da moda.

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Brad Bridgers

Ele colaborou com nomes como A Bathing Ape, Supreme e Nike; para sua coleção de estreia na Dior Men, Kim Jones fez parceria com KAWS e teve uma escultura de 22 pés de altura de seu personagem BFF de assinatura instalada na pista. E para sua coleção de camisas AW21 Comme des Garçons, Rei Kawakubo regou camisas, casacos e bolsas em uma impressão CDG projetada a partir dos desenhos de Donnelly. “Sempre gostei da maneira como as pessoas podem ter uma conexão íntima com o seu trabalho por meio da moda”, diz ele. “Uma coisa é ver isso em uma parede e outra é ter uma impressão em roupas.”



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Moda masculina Dior Homme primavera / verão 2019Bertrand Rindoff Petroff

Este mês vê a abertura deKAWS: QUE FESTAno Museu do Brooklyn. Anunciado como a primeira grande pesquisa do artista em Nova York, ele narra a carreira de 25 anos de Donnelly e mostra seus empreendimentos recentes no meio da realidade aumentada - permitindo que pessoas de todo o mundo se conectem com seu trabalho por meio do aplicativo Acute Art. Antes da abertura, Donnelly deuVogaum tour virtual pela exposição, contando sua história por meio de peças selecionadas da mostra.

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SEM TÍTULO (LEITURA), 1997

“Meus primeiros heróis foram pessoas como Lee Quiñones, Futura 2000 e Blade - grafiteiros do final dos anos 1970 e início dos anos 1980 - você os veria assumir um nome e criar uma presença para si próprios. Não considero Keith Haring um grafiteiro, mas ele caiu no meu radar por causa de seu trabalho na rua e sua associação com artistas, incluindo DONDI. No meu bairro, havia um anúncio de um ponto de ônibus para o show de Haring no Whitney [Museu de Arte Americana], então era um jogo justo. Eu adorei sua abordagem democrática para fazer arte e como ele a tornou acessível por meio [de sua loja] Pop Shop, então pintar sobre sua produção parecia natural. ”

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SEM TÍTULO (DKNY), 1999

“Comecei a pintar anúncios em 1993. Na época, eu morava com meus pais em Jersey City e os outdoors eram de Marlboro e do Capitão Morgan. Quando me mudei para Nova York em 1996, era mais fashion, como DKNY e Calvin Klein. Eu arrombava pontos de ônibus e cabines telefônicas em meu bairro, pintava os anúncios e os colocava de volta em seus lugares. Eu não estava procurando entrar na moda, só queria levar meu trabalho para o mundo ”.

Uma exibição privada da nova exposição KAWS com o próprio artista

SEM TÍTULO (KIMPSONS), SÉRIE DE PINTURA DE PACOTES, 2001

“Essa foi minha tentativa de amarrar meus mundos diferentes - uma pintura que funciona como um objeto escultural, que segue a tradição dos brinquedos. Os desenhos animados existem em diferentes culturas e países; crianças da minha idade no México estavam crescendo nos mesmos Smurfs com os quais eu cresci. Muitas das minhas pinturas são planas, semelhantes a desenhos animados. Gosto da sensação que esse trabalho cria quando você está diante dele, especialmente na escala em que trabalho. ”

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AMIGO, 2008

“Eu originalmente fiz o personagem CHUM como um brinquedo em 2002. Eu estava pensando em como a Michelin foi uma das primeiras empresas a se afastar do produto e usar um personagem como representante. Sempre me interessei em como os personagens - seja na animação ou na publicidade - se tornam identificáveis ​​e relacionáveis ​​para as pessoas. Eles têm uma vida útil que vai muito além de um ator ou personalidade que representa uma marca. ”

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COMPANHEIRO, 2010

“COMPANION foi o primeiro brinquedo que projetei em 1999. Vinte anos depois, nunca teria imaginado que ainda estaria usando COMPANION no meu trabalho, mas continuo encontrando coisas que quero dizer através dele. Ainda parece novo para mim. ”

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Peter Harholdt

SEM TÍTULO (KAWS PINOCCHIO), 2010

“Existem desenhos a caneta [ao longo da exposição] de peças que fiz para diferentes projetos. Este do Pinóquio era para um brinquedo que fiz com a Disney em 2010 e vendi na minha loja OriginalFake em Tóquio [que abriu de 2006 a 2013]. Ter uma loja permanente tornou-se um grande meio para mim [sem ter representação de galeria] para trabalhar com empresas como Disney, Warner Bros. e Burton. ”

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NESTE MOMENTO, 2013

“Em 2005, comecei a fazer pequenas edições em madeira com uma empresa japonesa chamada Karimoku. Passei a criar peças de grande escala em madeira com mais de 10 m de altura. Quando você vê uma peça nessa escala, é opressor, mas ao mesmo tempo é madeira e ao ar livre, então há uma vulnerabilidade a ela e, como um barco, precisa de manutenção constante. Gosto de encontrar os melhores lugares para produzir meu trabalho; as esculturas de madeira são cortadas perto de Amsterdã e depois enviadas para Maastricht [na Holanda] para serem finalizadas à mão.

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Farzad Owrang

AS NOTÍCIAS, 2017

“Esta série de nove pinturas de 2017 representou a tensão que senti naquele momento. Eles são coloridos e agradáveis ​​de se olhar, mas também há essa ansiedade embutida neles. Essa ansiedade mudou? Tem e não tem. Eu sempre me beneficiei da ansiedade e da dúvida. ”

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KAWS: HOLIDAY, 2019

“Há algo de bom em uma escultura permanente que você pode visitar sempre que está na cidade e outra qualidade para um trabalho [efêmero], comoKAWS: FERIADO.Este [boneco inflável COMPANION de 40 m de comprimento] ficou em exibição na base do Monte Fuji, no Japão, por seis dias após uma turnê em Hong Kong, Taipei e Coréia. As pessoas viajaram para ver o trabalho e o acampamento lá. Isso é o que me levou a me interessar por RA e a brincar com a questão de ‘o que é real?’. ”

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URGE (KUB2), 2020

“Em março de 2020, minha esposa e eu tínhamos Covid-19. Fiquei na cama por três semanas. Havia toda essa incerteza e notícias de não tocar no rosto, de não tocar em nada. Comecei a fazer desenhos de CHUM com as mãos por todo o rosto - tocando e contaminando. É para ser engraçado, mas, ao mesmo tempo, é muito estressante. Assim que saí [do isolamento], transformei os desenhos em uma série de 10 pinturas, que estão penduradas como uma grade na exposição ”.

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KAWS: QUE FESTA está em exibição no Museu do Brooklyn de 26 de fevereiro a 5 de setembro de 2021 e tem curadoria de Eugenie Tsai, curadora sênior John e Barbara Vogelstein. Um catálogo totalmente ilustrado co-publicado com Phaidon, que apresenta conteúdo novo e exclusivo com cinco capas diferentes, estará disponível a partir de 23 de junho.